Ciudad de México, México, 23 de diciembre. En una charla con el poeta Luis Cardoza y Aragón, Gunther Gerzso (México, 1915–2000) aseveró que “sin el pasado prehispánico mi pintura no existiría”. La obra del escultor y pintor mexicano puede entenderse, así, “con relación al pasado mirando hacia el futuro”, una dualidad que desvela la exposición Gunther Gerzso. Algo común con el pasado, que continúa su periodo de exhibición en el Museo de Arte Carrillo Gil (MACG), recinto del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).
La muestra reúne 47 obras del “creador de una de las abstracciones más singulares de la pintura latinoamericana del siglo XX”, algunas poco conocidas y realizadas entre las décadas de 1950 y 1990, periodo en el que consolidó su lenguaje pictórico tras alejarse del surrealismo. Asimismo, se presentan 24 obras de artistas modernos y contemporáneos —entre pintura, fotografía, instalación y escultura— de autoras y autores como Helen Escobedo, Francisco Castro Leñero y Graciela Iturbide, cuyos planteamientos dialogan con los de Gerzso y permiten comprender por qué su obra sigue siendo vigente.
La intención, explicó el curador Jorge Castro, es que el público descubra que la pintura de Gerzso “es esencialmente actual, con una vigencia absoluta, porque surge en esa relación temporal en la que el artista crea en el presente, pensando en el pasado, pero mirando hacia el futuro”.
El recorrido inicia con una serie de paisajes realizados tras su estancia en Europa, como Spaciale (1959) o Paisaje clásico (1960), donde el artista entiende este género como una “pintura de espacio”, un planteamiento fundamental en su obra con el que propuso un “giro muy contemporáneo”.
En estos óleos, los matices del marrón, los grises y el negro configuran el espacio como una textura y una experiencia pictórica que “el artista horada con una pequeña abertura, como una forma de trascender la visualidad plana”, en diálogo con el pintor y teórico italoargentino Lucio Fontana.
Estructuras 18 (2005), de Perla Krauze, y White Box III (1972), de Marcelo Bonevardi, integran otro de los núcleos que profundiza en la manera en que Gerzso trabajó la piedra, inspirado en la arquitectura prehispánica: “Gerzso transforma la piedra en una epidermis, en una experiencia poética y táctil, donde la pureza ortogonal también se ve intervenida por grietas”, como ocurre en Grieta (1992) o Rojo-Azul-Amarillo (1966).
El recorrido también aborda su trabajo escenográfico, que le valió cinco premios Ariel y la Medalla Salvador Toscano al Mérito Cinematográfico. Esta etapa dialoga con el muro de la artista estadounidense Andrea Zittel, Untitled (2010), quien retoma la pureza de lo geométrico, como lo hiciera el mexicano. Se exhibe además un fragmento de El bolero de Raquel (1957), cinta dirigida por Miguel M. Delgado, ya que se trata de “la única escenografía de Gerzso en la que deja de trabajar con la idea de la casa mexicana para introducir un relato de la abstracción y la modernidad plástica, con elementos figurativos que remiten a El modulor, de Le Corbusier”.
El manejo geométrico y el paisaje continúan en el diálogo entre El castillo (2007), de Jorge Méndez Blake; la escultura Ciudad (1960), de José María Ximénez; y Estela blanca (1950) y Estructuras antiguas (1955), ambas de Gerzso. “Vemos a un Gerzso que deja atrás el surrealismo y comienza a trabajar acumulaciones geométricas desde una naturaleza más táctil y monumental, así como un tratamiento del paisaje menos descriptivo y más metafísico”.
El tratamiento conceptual del espacio prosigue con obras como Muro azul, Chiapas (1977) o Estructuras verdes (1964), en diálogo con Barda y montaña (1960), de Manuel Álvarez Bravo, o Construcción en blanco 1 y 2 (2013), de Abel Quezada. La muestra concluye con un diálogo entre el brasileño Arcangelo Ianelli, Superposición de cuadros I (1977), y obras como Sin título (1957), de Gerzso, que problematizan la separación entre forma y color.